绘 画
绘画按工具材料和表现技法的不同，分为中国画、油画、版画、水彩画、水粉画、素描、年画、卡通漫画等画种。中国画又按技法的不同分为工笔画和写意画。版画根据版材的不同，分为木版画、铜版画、石版画、丝网版画等，版画还可以按照制版方法和印色技法分类，常见的有油印木刻、水印木刻、黑白版画、套色版画等。依据描绘的对象不同，分为人物画、风景画、静物画等，人物画又根据描绘题材的不同，分为肖像画、历史画、宗教画、风俗画、军事画、人体画等。
1（油画）
油画讲究色彩要浑厚、凝重和丰富、和谐的美感。
《油画基础知识》
用透明的植物油调和颜料，在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。它起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。产生15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。在运用蛋彩画法的同时，许多画家继续寻找更为理想的调和剂。一般认为，15世纪初期的尼德兰画家凡·爱克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上,用亚麻油和核桃油作为调和剂作画,致使描绘时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时间适中，易于作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。他们运用新的油画材料创作，在当时的画坛很有影响。油画技术很快在西欧其他国家传开，尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。
材料和工具:
油画的主要材料和工具有颜料、画笔、画刀、画布、上光油、外框等。
① 颜料，分矿物质和化学合成两大类。最初的颜料多为矿物质颜料,由手工研磨成细末,作画时才进行调和。近代由工厂成批生产，装入锡管，颜料的种类也不断增加。颜料的性能与其所含的化学成分有关，调色时，化学作用会使有些颜料之间产生不良反应。因而，掌握颜料的性能有助于充分发挥油画技巧并使作品色彩经久不变。
② 画笔，用弹性适中的动物毛制成，有尖锋圆形、平锋扁平形、短锋扁平形及扇形等种类。
③ 画刀，又称调色刀，用富有弹性的薄钢片制成，有尖状、圆状之分，用于在调色板上调匀颜料，不少画家也以刀代笔，直接用刀作画或部分地在画布上形成颜料层面、肌理，增加表现力。
④ 画布，标准的画布，是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后，用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子，或根据创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。布纹的粗细根据画幅的大小而定，也根据作画效果的需要选择。有的画家使用涂过底色的画布，容易形成统一的画面色调,作画时还可不经意地露出底色。经过涂底制作后,不吸油的木板或硬纸板也可以代替画布。
⑤ 上光油，通常在油画完成并干透后罩涂上光油，保持画面的光泽度，防止空气侵蚀和积垢。
⑥ 外框,完整的油画作品包括外框,尤其是写实性较强的油画，外框形成观者对作品视域的界限，使画面显得完整、集中，画中的物象在观者的感觉中朝纵深发展。画框的厚薄、大小依作品内容而定。古典油画的外框多用木料、石膏制成， 近现代油画的外框较多用铝合金等金属材料制成。
经典油画赏析
董希文 油画 《开国大典》
《开国大典》典型的代表了具象艺术再现艺术家表达意图的过程和方式。从主题上看，艺术家的意图是要表达一个新时代的开始，表现中国人民摆脱了三座大山的压迫，从此站起来的精神风貌。为此，艺术家选取了在天安门上由国家主席毛泽东宣布中华人民共和国成立的庄严时刻。在画面的中心，作者着重塑造了人民领袖毛泽东的庄严形象，在他的身后则是一批以朱德、刘少奇、周恩来、宋庆龄等为代表的党和国家的领导人，他们自豪、喜悦的心情溢于言表。而在艺术上，作者则力图传达一种喜庆、明朗的气氛和具有民族特色的油画语言方式。为此，，作者借用了中国传统和民间的艺术语言，他一面利用天安门上粗大的立柱和大红灯笼等营造出一种庄严的气氛和环境，一方面以长方形的构图展现出开阔的天空和明丽的天空来象征祖国的未来前程似锦、光明灿烂。尤其以近乎平涂的手法和单纯、艳丽的色彩表现出作者对民族油画语言的着意追求。这样，作者就在内容与形式上取得了完美的统一，准确地传达出作者的创作意图。
《父亲》油画 罗中立 中国 原名《粒粒皆辛苦》
罗中立的油画父亲画面上突显着一个朴实憨厚的，几乎是现实形象真实翻版的农民形象，他以操劳了一辈子，他的手上和脸上镌刻着勤劳、坎坷和善良，但是他的如此的年纪还不能停止劳作，这幅作品以人道主义的情感诉说着对中国农民的关爱和对乡土的眷恋，它以现实主义的叙事手法使人们直接看到了自己身边的现实并引起了人们的思考，这种人道主义情感对于刚刚经历过文化大革命的人们来说具有特别的吸引力和感染力，在艺术上它针对的是以往的假大空而采取了照相写实的方法，在题材上，它以领袖像的规格表现的是一个中国社会中最普通的农民，这种反叛对于当时的社会和艺术观念都形成了强烈的冲击，产生了广泛的影响。
《蒙娜丽莎》 （油画）达芬奇 意大利
文艺复兴时期以意大利的成就最为突出，达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔被称为意大利文艺复兴三杰。达芬奇的作品《蒙娜丽莎》成功的塑造了资本主义上升时期一位城市资产阶级的妇女形象。达芬奇在这幅作品中体现了他先进的艺术思想，即以科学的精神去观察自然的态度和作品所体现的文艺复兴时期的人文主义思想。
《天安门前》 油画 1964年 孙滋溪
作者吸收了新年画的表现方法和审美特点，以喜庆热烈的笔调表现了天安门前常见的一个场景。这幅画在当时极有影响。（所谓“新年画”是当时为了区别以前杨柳青、桃花坞民间木刻年画的一种叫法.新年画除了没有迷信之外，继承了传统，多了领袖和政治运动，而且这方面占了相当大的比重.新年画强调的写实并不是苏联式的客观写实，而是一种夸张性的浪漫写实--用当时的艺术理论解释，那是现实主义与浪漫主义的结合。新年画无论在造型上、构图上、设色上都是由西画的图式技巧转换过来的，只不过色彩更加艳丽刺激；造型更加夸张做作；情节更加富于戏剧性；画面更加富于装饰感）
《夯歌》（油画） 王文彬（1857）
《夯歌》描绘的是几位正在筑路的平凡的农村姑娘，而这生机勃勃、热火朝天的劳动场面却是令人难忘的，也是值得歌颂的。所以，在画家眼里，她们是开路的先锋、社会主义祖国的建设者、现代农民的典范，她们健康乐观、充满活力、欢声笑语、歌夯阵阵……。为此，画家采用仰视的角度来赞美这一劳动场面，宽银幕式的构图使场面分外开阔，把视平线压低，把人物全部画在画面的上面2/3处，显得更加崇高，这是仰视角度的基本特点。而画家又别出心裁地把暗褐色的远山也压得低低的，全不超过姑娘的腰部，留出大片的、广阔的天空，这就更加映衬出这些姑娘们的高大。全画面中没有一根垂直线，也没有一根水平线，全是斜线，而且姑娘们的身体形成一种放射感，充满动感和活力。受到强烈阳光的照射，逆光下人物身上的颜色受到地面暖色的反光，显得特别透明而丰富，加上持夯姑娘上衣的红色，使画面越发灿烂！
詹建俊的《狼牙山五壮士》形象地再现了抗日战士英勇战斗、宁死不屈的革命英雄主义气概，无疑能激发起人们的爱国主义精神和热情。
陈逸飞 魏景山 《占领总统府》
这个构图的视平线定得较高，扩大了视野，可以见到钟山和南京城的建筑，由于视野的扩大，既可以塑造画面主体的人物形象，又便于在背景上展现宏大的场面：人民解放军的洪流势如破竹，冲进了伪总统府，直捣蒋介石的办公室，宣告蒋家王朝的彻底覆灭。在画面的中心位置上，塑造一位身经百战、老练精悍的战士形象。他扯下了国民党反动派的破旗，正展开红旗准备升上高空。一群战士一面往上冲，一面注视着迎风飘扬的红旗。在这个庄严的时刻，一个多么伟大的转折来临了指挥员伸出戴着表的手腕，为的是记住这个令人难忘的时刻。面对着阳光照耀下的鲜红的红旗，老战士凝视着它，禁不住热泪夺眶而出；司号员已记不清多少次吹响过胜利的号声，现在他激动得脱下军帽，目不转睛地注视着红旗，向红旗致以最崇高的敬礼；处在画面最前方的小战士，双手紧握步枪昂首挺立，威武地向红旗行注目礼--伪总统府被踩在他们的脚底下画面右方一个战士，昔日他在战场上出生入死，前额上还留着敌人的弹片，今天他登上了伪总统府的楼顶，抑制不住兴奋的心情回过头去召唤，同伴们赶快上来一起来参加这个胜利的盛典，战士们不同的年龄、经历、不同的性格在此时此刻有着不同的动态、表情。处理好大场面的描绘和人物形象塑造之间的关系，力求使人物形象突出。背景的描写只是起衬托人物的作用，避免使场面淹没人物。
《自由领导人民》德拉克洛瓦 1830年 260X325厘米 卢佛尔博物馆
德拉克洛瓦最有名的作 品。此画作于1830年,尺寸为 260*325厘米,现藏卢佛尔博 物馆。这是人民争取自由和 权利的人物颂歌,是最具有浪漫主义色彩的作品,是法国七月革命的直接反 映。在此画中,画家真实地表现了工人,知识分子和小资产阶级在共同愿望 下自觉地组织起来的队伍。在这幅画中,浪漫主义的特征突出地表现在具 有象征性的自由女神共和国的象征的形象上,画家对于自由和争取自由的 见解,在这个形象上得到具体而鲜明的反映。画家笔下的自由女神被表现 和健康而美丽,坚决而有力,而且具有平民的素质。在硝烟弥漫,横尸遍野 的街道中,她赤着脚,左手拿枪,右手高举五色旗,领导着人们迎风前进。以 人民大众为骨干的革命队伍在她的领导下,踏过保皇党士兵的尸首,奋勇地 前进着。画家在这幅画中恰到好处地运用了对比的表现手法:明暗对比;现 实的衣服(保皇党士兵穿的)与古典的衣服(自由女神的)对比等。在色彩的 运用上,画家赋予了红色以新的含义,红色在这里成为革命,进步,自由的象 征。画面有一种热烈,激昂的气氛,显得十分跃动,奔放和生动.此画使年轻 的画家成为浪漫主义艺术的领袖。
《日出印象》画的是勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨的景象，整个画面处于一种阳光即将穿透晨雾的境界，三只小船在薄涂的色点组成的雾气中显得模糊不清。船上的人或物依稀能够辨别，还能感到船似在摇曳缓进。远处是工厂烟囱，大船上的吊车……，远景和水上的小船和动态的倒影构成了一幅微妙的画面。抖动的笔触表现了跳跃的光线、变幻的色彩、流动的水波和空气的透明感，这一切都源于对自然的印象。和过去把颜色涂得光洁的绘画完全不同。在这里明暗不是主角，主角是色彩。日光照耀下，大自然的无穷景象在印象派画中变幻不定。如此大胆地用零乱画笔触来展示雾气交融的景象，它改变了文艺复兴以来一贯的画法，这对于正统的沙龙学院派艺术家来说，乃是艺术的离经叛道。《日出·印象》的问世标志着印象画派的诞生。
3、田横五百士
1930年 布面油画 197×349cm 徐悲鸿纪念馆藏
这幅《田横五百士》是徐悲鸿的成名大作。故事出自《史记·田儋列传》。田横是秦末齐国旧王族，继田儋之后为齐王。刘邦消灭群雄后，田横和他的五百壮士逃亡到一个海岛上。刘邦听说田横深得人心，恐日后有患，所以派使者赦田横的罪，召他回来。《史记·田儋列传》原文这样记载："……乃复使使持节具告以诏商状，曰：'田横来，大者王，小者乃侯耳；不来，且举兵加诛焉。'田横乃与其客二人乘传诣洛阳。……未至三十里，至尸乡厩置，横谢使者曰：'人臣见天子当洗沐。'止留，谓其客曰：'横始与汉王俱南面称孤，今汉王为天子，而横乃为亡虏而北面事之，其耻固已甚矣。……'遂自刭。……五百人在海中，使使召之。至则闻田横死，亦皆自杀，于是乃知田横兄弟能得士也。"文末司马迁感慨地写道："田横之高节，宾客慕义而从横死，岂非至贤。余因而列焉。不无善画者，莫能图，何哉！"可见徐悲鸿作此画是受太史公的感召。正是有感于田横等人"富贵不能淫，威武不能屈"的"高节"，画家着意选取了田横与五百壮士惜别的戏剧性场景来表现。这幅巨大的历史画渗透着一种悲壮的气慨，撼人心魄。画中把穿绯红衣袍的田横置于右边作拱手诀别状，他昂首挺胸，表情严肃，眼望苍天，似乎对茫茫天地发出诘问，横贯画幅三分之二的人物组群，则以密集的阵形传达出群众的合力。人群右下角有一老妪和少妇拥着幼小的女孩仰视田横，眼神满含哀婉凄凉，其雕塑般的体积，金字塔般的构架无疑使我们想起普桑、大卫的绘画。普桑喜用的红、黄、蓝三原亦在徐的画面中占主导地位，突出了田横与青年壮士之间的对答交流。背影衬以明朗素净的天空，给人以澄澈肃穆的感觉。"高贵的单纯，静穆的伟大"正是德国古典病态学家温克尔曼所提倡的艺术格调。欣赏徐悲鸿的画时，会发觉画中人物伸展的手臂、踮起的脚尖、前跨的腿、支立着的木棍、阴森锋利的长剑构成了一种画面节奏，寓动于静，透出一种英雄主义气慨。在当时流行现代主义艺术之风的中国，徐悲鸿坚持关注生活、关注社会的现实主义立场，借历史画来表达他对社会正义的呼唤，这些犹如黑夜中的闪电划亮天际，透出黎明的曙光。
《格尔尼卡》
《格尔尼卡》，毕加索作，1937年，布面油画，305．5×782．3厘米，普拉多博物馆藏。
油画《格尔尼卡》，是毕加索作于30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。画中表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的遣责和抗议。这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排，都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统一的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。我们看见，在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了一个等腰三角形；三角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样地相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图，与达芬奇(最后的晚餐)的构图，有着某种相似的特质。另外，全画从左至右可分为四段：第一段突出显示了公牛的形象；第二段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛；第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”；而在第四段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，一下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。毕加索以这种精心组织的构图，将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。
《亚维农的少女》
这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。《亚维农的少女》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改。画中五个裸女和一组静物，组成了富于形式意味的构图。这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来；它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。
从这幅画上，可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法早在塞尚的画中就已采用了。我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面；左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。不同角度的视象被结合在同一个形象上。这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。这个呈四分之三背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸；而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。毕加索似乎是围着形象绕了180度之后，才将诸角度的视象综合为这一形象的。这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。
毕加索力求使画面保持平面的效果。虽然画上的诸多块面皆具有凹凸感，但它们并不凹得很深或凸很高。画面显示的空间其实非常浅，以致该画看起来好象表现的是一个浮雕的图像。画家有意地消除人物与背景间的距离，力图使画面的所有部分都在同一个面上显示。假如我们对右边背景的那些蓝色块面稍加注意，便可发现画家的匠心独具。蓝色，通常在视觉上具有后退的效果。毕加索为了消除这种效果，便将这些蓝色块勾上耀眼的白边，于是，它们看上去就拼命地向前凸现了。
实际上，《亚维农的少女》是一个独立的绘画结构，它并不关照外在的世界。它所关照的，是它自身的形、色构成的世界。它脱胎于塞尚那些描绘浴女的纪念碑式作品。它以某种不同于自然秩序的秩序， 组建了一个纯绘画性的结构。
《向日葵》凡高 1888年 该画的尺寸：91X72厘米
凡高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。
《星月夜》凡高
这幅画具有象征意义，凡高使用短线笔触组成激荡旋转的宇宙，十一颗大小不等的星辰聚集在月亮周围翻滚着，近景的柏树象撕裂燃烧的一座哥特式教堂。星辰和月亮暗示使徒和耶稣的关系。也有人把这幅画看成是太阳系的“最后的审判”。宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。
实际上这是凡·高的一种幻象，他小心地运用火焰般的笔触传达出来，常人是很难理解和表现的。他所看见的夜空就是一个奇特的月亮、星星和幻想的慧星的景象；它所给人的感觉就是陷入一片黄色和蓝色的漩涡之中的天空，仿佛已经变成一束反复游荡的光线的一种扩散，使得面对自然的奥秘而不禁战战兢兢的人们，顿时生起一股绝望的恐怖。
（2）中国画
相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。
中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。
从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。
中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。
在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。
中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。
以上谈的中国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。特别是“五四”之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放，千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族高度智慧、卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富。
国画形式
中国字画的形式多姿多彩,有横、直、方、圆和扁形，也有大小长短等分别，除壁画，以下是常见的几种。
中堂：中国旧式房屋，天花板高大，所以客厅中间墙壁适宜挂上一幅巨大字画，称为“中堂”。
条幅： 成一长条形的字画成为条幅，对联亦由两张条幅配成。条幅可横可直，横者与匾额相类。无论书法或国画，可以设计为一个条幅或四个甚至多个条幅。常见的有春夏秋冬条幅。各绘四季花鸟或山水，四幅为一组。至于较长诗文，如不用中堂写成，亦可分裱为条幅，颇为美观。
小品： 所谓小品，就是指体积较细的字画。可横可直，装裱之后，适宜悬挂较细墙壁或房间，十分精致。
镜框 ：将字画用木框或金属装框，上压玻璃或胶片，就成为压镜。现代胶片有不反光及体轻的优点。至于不反光的玻璃，不会影响人对画面的欣赏，所以很受欢迎。
卷轴 ：卷轴是中国画的特色，将字画装裱成条幅，下加圆木作轴，把字画卷在轴外，以便收藏。
扇面： 将折扇或圆扇的扇面上题字写画取来装裱，可成压镜。由于圆形或扇形的形式美丽，所以有人将画面剪成扇形才作画，然后装裱，别具风格。
册页 ：将字画装订成册，称为册页。近代有文具店特别将装裱册页成本，以供人即席挥毫。册页可以折叠画面各成方形，而与下列长卷有不同之处。
长卷 ：将画裱成长轴一卷，成为长卷，多是横看。而画面连续不断，较册页逐张出现不同。
斗方 ：将小品装裱成一方尺左右的字画，成为斗方。可压镜，可平裱。
屏风 ：单一幅可摆与桌上者为镜屏，用框镶座，立于八仙桌上，是传统装饰之一。至于屏风，有单幅或摺幅，可配字画，坐立地屏风之用。
国画材料中国字画可写在纸、绢、帛、扇、陶瓷、碗碟，镜屏等物之上，常见的有下列几种，壁画不入其列。
绢本： 将字画绘制在绢、绫或者丝织物上，称为绢本。古画卷本虽多，但易被虫蛀，亦被折损，反而纸本：更易保存。绢本看起来较名贵，但底色不及纸本洁白。由于绢本绘画前准备功夫较多，故不及纸通行。 纸本中国字画用纸大致可以分为两种，一种容易受水的是生宣，生宣加了矾水就不易受水，是熟宣。
壁画：古人在墓穴、洞穴、寺壁、宫廷等绘制大幅壁画，不少的壁画遗留至今，成为国宝。
折扇 ：古人扇画多较细小，以便携带。但现代人多用巨型扇画做室内装饰物，所以较古人更为实用。
圆扇 ：圆扇多呈圆形或椭圆形，面积不大。但也有绢本、纸本之分。古代宫廷用的大扇或者掌扇，大至高于人齐，现在很少见。
陶瓷 ：花瓶、杯、碟、镜屏等器皿，亦有字画制作，所用颜料及制法不同，但字画原理及欣赏不变。
器皿 ：除瓷器外，如日历、灯罩、鼻烟壶甚至现代领带及衣物等，亦有以字画作装饰，而且十分流行，别具一格。西方盛行的圣诞卡等，用中国字画作图案者甚为普遍。
中国画作品赏析
《清明上河图》宋代画家张择端作。画的主题是描绘北宋首都汴京（今河南开封），在清明节那天从城郊到城内街市的繁华热闹景象。是流传至今的反映当时汴京生活面貌的宏伟巨作。它以全景式的构图，精细的笔法，细致而生动的描绘，广阔而详尽地展示出当时各阶层人物的生活和动态，包括经济状况，城乡关系，民情风俗等。画的内容结构大体可分为三段，开首一段是京郊的农村风光；中段是以“虹桥”为中心的汴河及两岸船车运输、交通、手工业和商业、贸易等紧张忙碌的活动；后段是城门内外街道纵横交错，店铺鳞次栉比，人流汹涌、车水马龙的繁华热闹景象。画家鲜明地描绘了劳动群众为主体的人物活动，面对后拥地骑马坐轿的权贵，无所事事的修然游逛，形成强烈的对比，增强了整个画面波浪起伏的变化和张人入胜的艺术净效果。
《捣练图》唐代画家张萱作。此图描绘了唐代城市妇女在捣练、络线、熨平、缝制劳动操作时的情景。突破了以往“烈女”“孝子”题材的限制。画中人物动作凝神自然、细节刻划生动，使人看出扯绢时用力的微微后退后仰，表现出作者的观察入微。其线条工细遒劲，设色富丽，其“丰肥体”的人物造型，表现出唐代仕女画的典型风格。
宋 王希孟 千里江山图
现存《千里江山图》无款、印，后纸隔水黄绫上有蔡京题跋：“政和三年闰四月八日赐。希孟年十八岁，昔在画学为生徒，召入禁中文书库，数以画献，未甚工。上知其性可教，遂诲谕之，亲授其法，不逾半岁，乃以此图进。上嘉之，因以赐臣京，谓天下士在作之而已。”《千里江山图》为大青绿设色绢本，纵51.5厘米，横1191.5厘米，气势辽阔超凡，全卷画了层峦叠嶂、逶迤连绵，图中繁复的林木村野、舟船桥梁、楼台殿阁、各种人物布局的井然有序。画中山石先以墨色勾皴，后施青绿重彩，用石青石绿烘染山峦顶部，显示青山迭翠。江河勾出水纹，与没骨色彩形成反差对比。全图即壮阔雄浑而又细腻精到，不愧是青绿山水画中的一件巨制杰作。
《步辇图》。唐代画家阎立本的名作《步辇图》，真实地纪录了一千三百多年前，汉族的文成公主和藏族的松赞干布联姻的重要历史事件。《步辇图》所展示的画面，就是描绘唐太宗接见禄东赞的情景。画的左侧，有虬髯执笏者，当是朝中引班的礼官。其后拱手肃立者，是吐善使者禄东赞。最后一人当是朝中的翻译官。画的右侧，唐太宗坐于辇上，宫女九人前后左右分列，有的抬辇、扶辇，有的持扇，有的打伞，各具姿态。《步辇图》是一幅工笔重彩画。作者阎立本(？—673年)，是初唐具有代表性的著名画家。唐太宗时任工部尚书，官至右相。他的画多重大题材，除《步辇图》外，还有《历代帝王像》、《职贡图》、《凌烟阁功臣像》等。阎立本是开一代画风的划时代人物。
北宋 范宽 溪山行旅图
轴／绢本／浅设色画纵：206.3公分 横：103.3公分
《溪山行旅图》是北宋画家范宽的传世名作。站在它的面前，只见一堵巨大的绝壁冲天而起，巍然挺立，一线瀑布从峭壁深处飞泻直下，幻化成轻烟薄雾；高山下，巨石坚凝，杂树丰茂；绿荫里，萧萧寺观，隐约可见；乱石中，涓涓流泉，水若有声。这一切构成了气势崚嶒（leng ceng)而又高远宁静的景象。一行商旅蹇（jian)驴从密林中缓缓走来，得得的蹄声敲破了空谷岑寂……此刻，我们仿佛也随着这清脆的声音的起落走进了画面，投入到崇山峻岭的怀抱中，听凭那林间的风声吹去尘世的喧嚣，，溪涧的清流涤尽心灵的杂念…… 《溪山行旅图》让人感受到恢弘博大而又逼真动人的气象.沉沉的绝壁.一线瀑布成了画眼,承上启下,使山峰充满灵气.浮动的山岚横过画面,造成了前后的空间感.左侧的半壁山峰,令人感到山外有山,画外有画.丰茂的树丛,潺潺的流水,兼程的商旅,似乎是那山川蓬勃生命的象征.这一切都是那么自然,那么匠心独运.此画构图层次分明,主次和谐.前后递进,用水贯通.用笔清雄,浓淡了然,以墨骨取胜.山石以"雨点皴"积攒而成,山石轮廓坚劲韧练,塑造了一个"气魄雄浑,如云长贯甲"般的堂堂大山.范宽的画对后世影响深远.人们称他的画为"百代标程".徐悲鸿对他推崇备至,我们引用他的话来作为对该作的评价:“中国所有之宝，故宫有二，吾所最倾倒者，则为范中立《溪山行旅图》大气磅礴，沉雄高古，诚辟易万人之作。此幅既系巨帧，而一山头，几占全幅面积三分之二，章法突兀，使人咋舌！全幅整写，无一败笔。北宋人治艺之精，真令人倾倒。
赵佶 《芙蓉锦鸡图》
赵佶（1082-1136）即宋徽宗。宋代皇帝，画家。为帝时不励精图治，惟穷土木，崇奉道教，任用蔡京、梁师成等。政治腐败，民不聊生。靖康元年（公元1126年）十一月，金兵攻进教城汴梁，赵佶、赵桓、以及赵氏宗族、亲属等三千多人，都做了金人的俘虏。
他擅长花鸟画，受吴元瑜影响，书法师黄庭坚，后自创一种瘦劲锋利，如“屈铁断金”的“瘦金体”。据说他画鸟雀，常用生漆点睛，小豆般的凸出在纸绢之上，十分生动。陆续描写过各种奇花异鸟，命名为《宣和睿览册》。他要求所画花卉，能够画出不同季节，不同时间下的特定情态，他对人物、山水画等，也有一定的造诣。赵佶的字体被后人称之为瘦金体。
占据《芙蓉锦鸡图》画面主要位置的是秋天不怕霜迸发的木芙蓉和枝上停留的美丽的锦鸡。各种景物的布局宾主分明，疏密有致。芙蓉花的妩媚鲜艳，秋菊的萧疏挺立，蝴蝶的翩翩起舞，也都刻画得生动传神，极富有真实感。画的右上方有赵佶题诗："秋劲拒霜盛，峨冠锦羽鸡，已知全五德，安逸胜凫鹥。"这便点明了此画通过描绘五彩斑斓的锦鸡，是为了颂扬它们具有的儒家五种伦理品德--文、武、勇、仁信。造型精致，设色浓丽，晕染细腻，也传出皇家的雍容富贵气派。
齐白石(1863-1957)，现代杰出画家，书法家，篆刻家。原名齐璜，纯芝，字渭青、号白石、濒生、阿芝、借山吟馆主者、寄萍老人等。湖南湘潭人。十二岁学粗木工，后做雕花木匠，兼习画。亦习诗文，书法、篆刻，初为画工，为乡里人画衣冠像。六十岁后定居北京，以卖画、刻印为职业。生平推崇徐渭、朱耷、石涛、吴昌硕等前辈诸家，重视创新，不断变化，创造了独特不群的风貌。所画作品，都洋溢着对生活的热爱。其篆刻朴茂有力，书法刚劲沉着，诗文、画论也有独到之处。任中国文学艺术界联合会主席团委员，美术家协会主席。1953年中央文化部授予“人民艺术家”称号。
齐白石的虾，栩栩如生，情趣盎然。懂得笔墨也善于操纵笔墨的齐白石，他在下笔画虾时，既能巧妙地利用墨色和笔痕表现虾的结构和质感，又以富有金石味的笔法描绘虾须和长臂钳，使纯墨色的结构里也有着丰富的意味，有着高妙的技巧。 ( 白石翁画虾，乃河虾与对虾二者惬意的“合象”。——李苦禅) (虾的精神状态，虾的有弹力的透明体，虾在水中浮游的动势。把艺术造型的“形”“质”“动”三个要素完满的表现出来，这样丰富的内容，齐白石先生用的是及简练的笔墨，不能多一笔，也不能少一笔，一笔一笔可以数得出来。——叶浅予)
徐悲鸿《愚公移山》中国画
这幅作品以从右至左，从前往后的格局展开画面。画面右端有几个高大健壮、魁梧结实的壮年男子，手持钉耙奋力砸向黑土。其姿势表情不一，或膛目，或呐喊，或蹲地，或挺腹，然动态均呈蓄力待发之状，有雷霆万钧之势。这群呈弧形分布的人物占据画面大部分空间，人物顶天立地，有撑破画面之感。根据构图需要，左侧画面的人物排列较为松散，人物或高或低，树丛小景置于其间。一挑筐大汉和倚锄老者背对观众以加强空间纵深感，拉开与右半段紧张劳作者之间的距离，造成右半部是前线而左半部是后方的感觉。老翁似乎正在语重心长地对下一代人叙述自己的愿望和信心，描绘着未来的美好景象。在绘画笔法和色彩方面，这幅画充分体现了作者在中国传统技法和西方传统技法方面所具有的深厚功底。中国传统绘画中的白描勾勒手法被运用于人物外形轮廓、衣纹处理和树草等植物的表现上，而西方传统绘画强调的透视关系、解剖比例、明暗关系等，在构图、人物动态、肌肉表现方面发挥得淋漓尽致，在人物造型方面，作者借用了不少印度男模特形象，并直接用全裸体人物进行中国画创作，这是徐悲鸿的首创，也是这幅作品另一颇为独特之处。可以说，徐悲鸿在这幅作品中将中西两大传统技法有机地融会贯通成一体，独创了自己"中西合璧"的写实艺术风格。
《江山如此多娇》中国画 1960年 傅抱石 关山月
这幅空前的巨画 高5米半、宽9米，陈列在人民大会堂，毛泽东为它亲笔题写了“江山如此多娇”。两位作者将中国传统山水画避世的清高转变为紧密结合现实的歌咏，成为山水画改造的典范。
《江山如此多娇》，傅抱石、关山月合作，《江山如此多娇》是傅抱石、关山月共同合作专门为装饰人民大会堂而绘制的大型山水画。此图取毛泽东《沁园春》词意，把代表性的四季山水集中、浓缩到一起，运用革命现实主义和浪漫主义相融合的创作方法，表现了祖国河山的雄奇壮美。此图境界恢宏，气魄雄健，淋漓酣畅，豪放洒脱，具有强烈的民族风格和时代感。
版画
一：版画简介
版画，是美术的一个重要门类。古代版画主要是指木刻，也有少数铜版刻和套色漏印。独特的刀味与木味使它在文化艺术史上具有独立的艺术价值与地位。
二： 欣赏版画的要领和艺术特点
1 尽可能利用对象的本色，显出木味。3 发挥刻版水印的特性，让大块阳刻产生强烈的艺术效果。
4 通过巧妙构图，以丰满密集和萧疏简淡等不同风格来衬托表现主题。
三：中国传统版画是画家作稿，刻工刻版，印工印制的“复制版画”。在20世纪20年代末，鲁迅将西方版画引入中国并倡导画家自画，自刻，自印的“创作版画”以来，这种新兴的版画艺术得到空前的发展。出现了以古元、李桦、颜涵等为代表的一批版画家。
《鲁迅像》是赵延年上世纪６０年代的代表作，鲁迅先生“横眉冷对千夫指，俯首甘为孺子牛”的精神品质跃然纸上。白色的长衫、黑色的围巾与黑色的背景，反衬出鲁迅的冷峻与深厚。画面左侧用疏密有致的斜刀刻出利剑般的刀痕，而右侧则先将头部轮廓刻出，然后再用斜刀提亮背景，线条粗粗细细、长长短短，在深沉的气氛中，有思想的激荡，有心潮的起伏。
彦涵，现代版画家。1916年生，江苏东海人。抗战前曾在国立杭州艺专学习，后奔赴延安鲁艺学习。1949年后历任中央美院华东分院、中央美院教授，中国版画家协会副主席。
当敌人搜山的时候》是他40年代的代表作品。作品用人梯的结构形式形象地展现了抗日革命根据地血肉般的军民关系和同仇敌忾的战斗气氛。该作黑白的处理和构图使人感到有一团被压抑的火要从黑暗的地平线下冒出，这恰好成为中国人民当时的处境和他们必然要挺起胸膛走在大地上的象征。彦涵木刻的艺术特点是形象上的生动性和内容上的战斗性。
《蒲公英》 版画 1959年 吴凡
这是大时代中的一朵小花，曾获“莱比锡国际书籍艺术展”版画比赛金质奖章。
《减租斗争》 版画 1943年 古元
延安时代，由于物质条件的限制和革命事业的需要，木刻版画成为延安美术最主要的形式。古元是杰出的代表，被诗人艾青称为“边区生活的歌手”。他的《减租斗争》是延安木刻代表作之一。
壁画
壁画概述：装饰壁面的画。包括用绘制、雕塑及其他造型或工艺手段，在天然或人工壁面（主要是建筑物内外表面）上制作的画。壁画作为建筑物的附饰部分，通过建筑与绘画的相互适应，达到建筑的实用性与绘画的感染力的和谐统一，既具有意识形态方面的功能，又具有建筑的装饰与美化功能，构成环境艺术的一个重要方面。
石窟包括敦煌莫高窟、西千佛洞、安西榆林窟共有石窟552个，有历代壁画五万多平方米，是我国也是世界壁画最多的石窟群，内容非常丰富。 敦煌壁画是敦煌艺术的主要组成部分，规模巨大，内容丰富，技艺精湛。
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